Press Temporary exhibition - Press Kit

CONCERNÉ·E·S. 30 ARTISTES FACE AUX QUESTIONS HUMANITAIRES

Présentation de l’exposition temporaire Concerné.e.s de Pascal Hufschmid (Word | PDF)

Présentation de l’exposition temporaire Concerné.e.s de Julie Enckell (Word | PDF)

Présentation de l’exposition temporaire Concerné.e.s de Philippe Stoll (Word | PDF)


Communiqué de presse

Communiqué de presse français, presse locale : Word | PDF

Communiqué de presse français : Word | PDF

Press release: Word | PDF

Medienmitteilung: Word | PDF


MAKING OF


identité visuelle

— Laure Rogemond est designer graphique, elle se concentre à produire une réflexion critique autour du design graphique comme vecteur social et d’action.
Elle est diplômé du bachelor Communication visuelle de la HEAD—Genève (2016) et du master Design Graphique & multimédia de l’ENSAD—Paris (2018).
En 2016, son projet sur la question migratoire, intitulé « Je vais essayer, c’est la vie » fut récompensé par le Prix Art & humanité et le Prix de la fondation BEA Jeunes artistes.

— Vincent Duc est designer graphique. Il est diplômé du DNAP option design graphique de l’ESAD—Saint-Etienne (2016) et du master Design Graphique & multimédia de l’ENSAD—Paris (2018).
Ensemble, ils produisent des identités visuelles, des solutions digitales, des éditions et supports imprimés ainsi que la création de caractères typographique.


— Laure Rogemond is a graphic designer who focuses on producing a critical reflection on graphic design as a social and action vector.
She graduated from the Bachelor of Visual Communication at HEAD-Geneva (2016) and the Master of Graphic Design & Multimedia at ENSAD-Paris (2018).
In 2016, her project on the migration issue, entitled “I’ll try, that’s life” was awarded the Art & Humanity Prize and the BEA Young Artists Foundation Prize.

— Vincent Duc is a graphic designer. He is a graduate of the DNAP graphic design option at ESAD-Saint-Etienne (2016) and of the master’s degree in Graphic Design & Multimedia at ENSAD-Paris (2018).
Together, they produce visual identities, digital solutions, editions and print media as well as typeface design.



Scénographie

Valentin Dubois est architecte d’intérieur. Il a reçu sa formation à la Haute École d’Art et de Design de Genève (HEAD) et à la Design Academy Eindhoven. Il signe des projets de décorations, d’aménagement d’espaces et de scénographies pour des clients privés ainsi que diverses institutions en Suisse et à l’étranger. Il a réalisé notamment en 2019 l’aménagement du Pavillon suisse pour la 58e Biennale d’Art de Venise. Valentin travaille parallèlement comme enseignant au sein du département architecture d’intérieur de la HEAD — Genève.


Valentin Dubois is an interior designer. He received his training at the Geneva School of Art and Design (HEAD) and at the Design Academy Eindhoven. He has worked on interior design, space planning and scenography projects for private clients and various institutions in Switzerland and abroad. In 2019, he designed the Swiss Pavilion for the 58th Venice Biennale of Art. Valentin also works as a teacher in the interior design department of the HEAD – Geneva


Cartes blanches à cinq artistes |
Cartes BLanches for five artists

Cinq artistes ont reçu carte blanche pour l’exposition et y présenter une œuvre inédite, offrant ainsi de nouvelles perspectives sur L’Aventure humanitaire : Zoé Aubry, Louise Hastings, Hugo Hemmi, Marta Revuelta et Dorian Sari.


Five of the show’s artists – Zoé Aubry, Louise Hastings, Hugo Hemmi, Marta Revuelta and Dorian Sari – have been given carte blanche to “hack into” The Humanitarian Adventure and present a new work offering a fresh perspective on this topic.


Zoé Aubry: Production d’un triptyque sur la base des archives photographiques du Musée | Production of a triptych based on the Museum’s photographic archives

© Zoé Aubry, Watch your Credit, 2021

Le Musée conserve des archives contenant plus de 10’500 photographies sur différents supports, principalement des tirages et des diapositives. Elles retracent des moments clefs de l’action humanitaire aux XIXe et XXe siècles. Sélectionnées par le personnel du Musée en collaboration avec plusieurs iconographes mandaté∙e∙s, ces images ont été acquises dans les années 1970 et 1980, notamment pour préparer l’exposition inaugurale du Musée (1988).
Zoé Aubry s’est plongée dans les dossiers d’acquisition et fiches d’inventaire pour interroger ce patrimoine visuel. Résultat de ses recherches, son triptyque Watch Your Credit nous interpelle tout d’abord par l’absence d’images. En exposant uniquement leurs légendes, l’artiste fait appel à notre imaginaire collectif des événements documentés.
Une image a-t-elle valeur de preuve ? Quels regards dominants ont-ils déterminé la représentation de ces événements historiques ? Rassemblés et créés, dans la grande majorité, par des hommes blancs occidentaux, le patrimoine photographique du Musée, et les regards masculins qui l’ont constitué, ont-ils vraiment la portée universelle escomptée ? En attirant notre attention sur les contextes de production et de réception des images, Zoé Aubry nous invite à une relecture critique de ces archives photographiques.


The Museum’s holdings contain more than 10,500 photographs in different media, primarily prints and slides. They depict key events in 19th and 20th century humanitarian work. These images, chosen by Museum staff in conjunction with several specially commissioned image experts, were acquired in the 1970s and 1980s, primarily in preparation for the Museum’s inaugural exhibition in 1988.
As part of her investigation into this visual heritage, Zoé Aubry delved into acquisition records and inventory files. The result of her research – a triptych entitled Watch Your Credit – challenges the viewer with its complete lack of images. By displaying only captions, Aubry evokes the documented events through our collective imagination.
Can an image have evidentiary value? What overarching perspectives have shaped how these historical events have been depicted? Collected and created for the most part by white Western males, is the Museum’s photographic collection, and the masculine viewpoints it represents, truly universal in scope?
By calling the viewer’s attention to how these images were created and received, Zoé Aubry encourages us to critically re-examine these photographic archives.


Louise Hastings: installation murale | Wall installation

© Louise Hastings, Ces vides, 2021

Au moment où vous lisez ce texte, savez-vous où sont votre famille et vos proches ? Comment vont-ils∙elles ? Pouvez-vous facilement prendre des nouvelles ?
Tous les jours dans le monde, du fait des conflits armés et des catastrophes naturelles, des milliers de familles sont séparées. De manière abrupte, elles sont confrontées à l’absence, voire à la disparition.
Nous sommes des êtres sociaux. Lorsque nos liens aux autres sont brisés, nous perdons une partie de notre identité et de nos repères. Ce sont Ces vides que Louise Hastings évoque dans son installation.


While you are reading this, do you know where your family and friends are? How are they doing? Can you easily check on them?
Every day, thousands of families around the globe are torn apart by armed conflicts and natural disasters. Without warning, they may experience the absence or even disappearance of their loved ones.
We are social beings. When the ties between us are severed, we lose our bearings and part of our identity. These are the empty spaces that Louise Hastings conjures up in Ces vides.


Hugo Hemmi: sculpture participative co-construction avec les visiteurs | Participatory sculpture co-construction with visitors

© Hugo Hemmi, Cabane, 2021

L’artiste Hugo Hemmi vous propose de participer à la création d’une œuvre inédite, Cabane.
Tout d’abord, à votre échelle, comment pouvez-vous vous engager pour les autres ? Quelle démarche humanitaire pouvez-vous intégrer à votre quotidien ?
Ensuite, à l’aide du matériel à votre disposition, exprimez votre engagement sur une pierre à l’aide d’un mot, d’un texte ou d’un dessin.
Enfin, prenez votre pierre et accrochez-la à la structure installée avant l’entrée du Musée, dans l’atrium.
Ensemble, nous créons les murs et le toit de la Cabane, un espace, à explorer, de protection, d’introspection et de jeu.


Hugo Hemmi invites you to take part in the creation of an innovative new work, Cabane.

To begin, think about what you as an individual can do to make a difference for other people. What humanitarian action can you incorporate into your daily life?
Next, using the materials at hand, express your commitment on a stone, using a word, a short text or a drawing.
Lastly, take your stone and attach it to the structure displayed in the atrium just outside the Museum’s entrance.
Together, we will create the walls and roof of Cabane, a space for exploring, seeking shelter, reflecting and playing.


Marta Revuelta: installation sur le big data et l’action humanitaire | Installation on big data and humanitarian action

 Lors d’un conflit armé, le principe de distinction s’applique. Les belligérants doivent, en tout temps, faire la distinction entre la population civile et les combattants.
De nos jours, l’intelligence artificielle, l’apprentissage automatique et les aéronefs sans pilote permettent la production d’armes autonomes. Ils représentent un défi pour le principe de distinction : l’algorithme pourrait-il devenir assez performant pour déclencher seul une attaque ? Pourrait-il se tromper de cible ?
Avec son installation The Logics of Droning, Marta Revuelta nous interpelle à propos de l’utilisation de nouvelles technologies sur le champ de bataille et du respect du droit international humanitaire. Nous sommes traqué∙e∙s par un drone qui détecte et suit nos mouvements en temps réel. Sur la base des informations récoltées, l’algorithme assigne, de manière autonome, un profil à chaque visiteur∙euse. Combattant∙e ou civil∙e ? Cible ou non ?
Le système fonctionne en circuit clos. Aucune image n’est diffusée ou stockée.


During an armed conflict, the principle of distinction applies: warring parties must at all times distinguish between civilians and combatants.
Today, we can create autonomous weapons using a combination of artificial intelligence, machine learning and unmanned aircraft. Such devices challenge the principle of distinction: can an algorithm become sophisticated enough to trigger an attack by itself? Could it err in selecting its target?
Marta Revuelta’s installation, The Logics of Droning, draws our attention to the use of new battlefield technologies and the question of compliance with international humanitarian law. During the show, visitors’ movements are tracked and monitored by a drone in real time. Based on the information collected, an algorithm independently assigns a profile to each person. Combatant or civilian? Target or not?
The exhibition’s tracking system is on a closed circuit. Images are neither broadcast nor saved.


Dorian Sari: Installation vidéo sur la post-vérité | Video installation on post-truth

© Dorian Sari, Look, 2021

Notre quotidien est saturé d’informations, bien au-delà de notre capacité biologique à les traiter. Nous n’avons ni le temps ni les facultés nécessaires pour vérifier tout ce que nous lisons, écoutons ou voyons en continu. Nous pouvons dès lors facilement écarter certains faits et ne voir que ce qui nous convient le mieux.
C’est dans ce contexte que naît le phénomène de post-vérité. Les faits, même les plus incontestables, sont remis en question alors que les fausses nouvelles envahissent l’espace médiatique.
L’attention est au cœur de la démarche de Dorian Sari : celle que nous donnons aux informations et celle dont nous pouvons faire l’objet. Dans Look, il interroge le niveau d’importance des données que nous recevons d’un téléviseur.
Qu’est-ce qui nous pousse à agir ? Qu’est-ce qui va attirer notre attention ? A la télévision, s’agira-t-il d’une publicité pour un produit ou d’un reportage sur un génocide ? Probablement la publicité, car acheter un produit relève de la capacité individuelle. Arrêter un génocide, non.


The daily flood of information that we experience far surpasses our biological ability to process it. We have neither the time, nor the capacity, to fact-check everything we read, hear and view non-stop. As a result, it becomes easy to set aside certain facts and only take in what suits us best.
These conditions have given rise to the phenomenon of “post-truth”. As misinformation pervades the media landscape, facts – even the most irrefutable ones – are called into question.
Central to Dorian Sari’s process is the concept of attention – the attention we pay to news, and the attention that can focus on us. In Look, he examines the significance of the information we get from a television screen.
What motivates us to act? What is it that commands our attention? On TV, will it be an advertisement or a news story on genocide? Most likely it will be the ad, since purchasing products is an act of individual agency, whereas stopping a genocide is not.


 


LES ARTISTES


Zoé Aubry (1993)

Photographie © François Wavre

En plaçant au cœur de son travail le thème du féminicide, Zoé Aubry s’engage à rendre visible le corps des femmes mortes des suites de violences perpétrées par leur conjoint. A partir des archives qu’elle réunit et met en forme, l’artiste recompose l’histoire de ces crimes et leur redonne toute leur ampleur, confrontant ainsi le.la spectateur.trice à cette réalité insoutenable.


Denouncing femicide is at the heart of Zoé Aubry’s work, which renders visible the bodies of women who died as a result of their partners’ violence. Aubry has collected and arranged archival materials to reconstruct the story of these crimes in their full magnitude, forcing the viewer to confront an unbearable reality.

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Tristan
Bartolini (1997)

© Tristan Bartolini

En créant la typographie « L’inclusif-ve », Tristan Bartolini propose une alternative graphique à la rédaction épicène. Il souhaite inscrire, dans l’écriture même de la langue française, la possibilité de transcender la binarité masculin-féminin. A travers de nouveaux signes typographiques, sa recherche reconnaît et rend visible tout le spectre du genre. Il est le lauréat du Prix Art Humanité 2020.


Tristan Bartolini’s set of typographical symbols, L’inclusif-ve offers an alternative to gender-inclusive spellings in French. His aim is to transcend the gender binary within the French writing system by integrating new symbols that recognize and make visible the full gender spectrum. Bartolini is the 2020 winner of the Prix Art Humanité.

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Rokhaya Marieme
Balde (1995)

© Rokhaya Balde

De retour à Dakar, sa ville d’origine, Rokhaya Marieme Balde tourne un film sur une figure historique locale méconnue, Aline Sitoe Diatta, décédée en 1944. D’interviews en discussions, l’artiste mène ses recherches et tente de comprendre qui était vraiment Aline, cette « héroïne » du Sénégal dont son père lui a souvent parlé. Car comment savoir où l’on va, si l’on ne sait d’où l’on vient ?


Rokhaya Marieme Balde returns to her native Dakar in this film about a little-known local historical figure, Aline Sitoe Diatta, who died in 1944. Through research, interviews and conversations, Balde seeks to understand the real Aline, a Senegalese ‘heroine’ often spoken of by Balde’s father. After all, how can we know where we’re going, if we don’t know where we came from?

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Eric
Bouessa (1995)

© Eric Bouessa

Le travail au crayon d’Eric Bouessa s’inscrit dans la veine des récents développements du dessin qui, depuis une vingtaine d’années, a quitté la sphère intime pour rejoindre un format plus imposant. Dans un style hyperréaliste qui rappelle par bien des aspects la photographie documentaire, l’artiste aborde les thèmes difficiles de la maltraitance des enfants, de la guerre ou du racisme. Sorties de leur contexte d’origine, agrandies et transposées au crayon, les photographies revêtent alors une portée iconique qui fait du dessin le vecteur d’une douleur ou d’un message de paix.


Eric Bouessa’s pencil drawings are very much in keeping with recent graphic trends: over the past 20 years or so, drawing has shifted from being an intimate medium to a more assertive scale. Using hyperrealist techniques that have much in common with documentary photography, the artist tackles the difficult themes of child abuse, war and racism. Removed from their original context, enlarged and transcribed in pencil, the images take on an iconic scope that makes these drawings testimonies to suffering or messages of peace.

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CarEvents (Dany Champion, Karen Pisoni, Marion Vergne)

© Dany Champion, Karen Pisoni, Marion Vergne

Comment donner corps aux valeurs de Caritas Genève dans l’espace même de ses boutiques ? K. Pisoni, M. Vergne et D. Champion, jeunes architectes d’intérieur, s’associent pour accompagner l’organisation caritative dans sa lutte contre la pauvreté. Elles imaginent des agencements et modes d’interaction qui favorisent les rencontres et les activités créatives. Leur objectif : renforcer le lien social en créant une communauté où chacun·e se sent valorisé·e.


How might the Geneva chapter of the Caritas charity organization embody its principles within its second-hand shops? Young interior designers Karen Pisoni, Marion Vergne and Dany Champion joined forces to support the organization in its fight against poverty. The designers developed layouts and modes of interaction that promote exchange and creativity. Their goal? Strengthen social ties by creating a community where everyone feels valued.

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Christelle
Currat (1995)

© Christelle Currat

De ce que nous consommons, 90% passent par les voies maritimes. Le transport sur mer occupe une place gigantesque dans l’économie mondiale. Il est pourtant peu connu d’un public non averti. Afin de susciter prise de conscience et réflexion, Christelle Currat propose une transcription visuelle, à l’allure de pavillons, de données clés de ce secteur d’activité particulièrement important pour la Suisse et pour Genève.


With roughly 90% of all consumer products being shipped by sea, maritime transport plays an enormous role in the global economy. But it is little understood by non-experts. Christelle Currat aims to raise awareness and inspire reflection through visual renderings in the form of ships’ flags that provide key data about a business sector of particular importance to Geneva and Switzerland as a whole.

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Valentin Dubois (1992)

Valentin Dubois

Photographie © Damien Guerra

Toc est une proposition spatiale et sociale qui vise à renforcer le lien entre la ville de Calais, point central de la migration, et les réfugié·e·s qui vivent à ses abords. Comment construire l’hospitalité ? Comment accueillir l’autre dignement ? Valentin Dubois a imaginé des pavillons abordables et simples à construire qui permettraient une nouvelle forme de vivre-ensemble.


TOC, TOC is a spatial and social model aimed at strengthening the ties between the city of Calais – a migration focal point – and the refugees who live on its outskirts. How can hospitality be built? How can outsiders be housed with dignity? Valentin Dubois proposes a model of affordable, simple-to-build structures that would allow for new ways of living together.

Audio français (originale) :

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Alicia
Dubuis (1996)

© Alicia Dubuis

Que sait-on de la maternité lorsqu’on met au monde son premier enfant ? Alicia Dubuis propose un site internet ressources dédié aux 20-35 ans : www.primipare.info, qui a pour but de constituer une boîte à outils de connaissances et de réflexions sur le sujet. Reprenant les codes visuels de l’encyclopédie, le site propose une approche à la fois interactive et inclusive de ces questions souvent passées sous silence.


How much do new mothers know when they give birth for the first time? Alicia Dubuis created a website with resources for new parents aged 20 to 35: www.primipare.info, which provides information and food for thought. The site, designed to resemble an encyclopaedia, uses an interactive and inclusive approach to answer questions that often go unasked.

Audio français (originale) :

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Caroline
Etter (1983)

© Caroline Etter

Comment l’art permet-il de rendre visibles les singularités et les discriminations vécues par certaines communautés sans les stigmatiser ou les dénaturer ? Avec ce projet, Caroline Etter joue volontairement sur l’ambiguïté en ne nommant jamais explicitement l’objet du discours : la migration. Seul l’acronyme du titre indique la référence au Centre ornithologique de réadaptation de Genève.


How can art reveal the unique features of a given community and the discrimination faced by its members without stigmatizing or distorting them? In this film, Caroline Etter makes conscious use of ambiguity by never explicitly naming the subject under discussion: migration. Only the acronym in the work’s title provides a clue by referencing a bird rescue centre in Geneva.

Audio français (originale) :

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Yace Banks (1989)

© YaceBanks

Artiste photographe féministe, YaceBanks se consacre depuis cinq ans à raconter la condition des femmes vivant dans les zones rurales du Sénégal. Son travail photographique décrit avec précision le quotidien d’une vie consacrée à la récolte, dans une relation quasi symbiotique avec la nature.


YaceBanks is a feminist photographer who, over the past five years, has been documenting how women in rural Senegal live. Her images capture the daily routine of lives devoted to agriculture, in an almost symbiotic relationship to nature.

Audio français (originale) :

English audio:



Sarah
Fauriel (1996)

© Sarah Fauriel

Est-ce que nous percevons et décodons le monde qui nous entoure tous et toutes de la même manière ? Sarah Fauriel a mené plusieurs entretiens auprès de personnes atteintes du syndrome d’Asperger. Elle en tire une publication et une vidéo qui lèvent le voile sur un quotidien différent et nous interrogent sur l’intégration des minorités dans notre société.


Do we all perceive and decode the world around us in the same way? Sarah Fauriel’s interviews with people with Asperger syndrome serve as the basis for a publication and this short film, which sheds light on a different way of experiencing everyday life and raises broader questions regarding the integration of minority groups into society.

Audio français (originale) :

English audio:



Iris
Gigon (1993)

© Iris Gigon

Tout ce qui est cyclique peut être transcrit en rouages mécaniques. Ce principe est une révélation pour Iris Gigon, diplômée en design joaillier. Elle se lance avec succès dans l’horlogerie, où un marqueur universel du temps semble lui manquer : le cycle menstruel. Elle crée alors le Rhea Cycle Tracker, une montre qui permet aux femmes de planifier et de revendiquer leurs règles, sans tabou.


Anything cyclical can be represented using mechanical gears. This was af revelation for Iris Gigon, a recent graduate in jewellery design. She made a successful start in the watchmaking industry after realizing that a universal time marker was missing: the menstrual cycle. Her Rhea Cycle Tracker is a watch designed to break taboos and help women plan for – and take pride in – their periods.

Audio français (originale) :

English audio:



Ciel
Grommen (1989)

© Ciel Grommen

Dans ces deux œuvres, Ciel Grommen aborde les questions de cohabitation. Ici, la zone coréenne démilitarisée que le gouvernement sud-coréen voudrait transformer en un parc transnational pour la paix. Projet auquel la Corée du Nord s’oppose car elle le voit comme une exploitation de la douleur liée à la division nationale.
Le contenu des documents administratifs découpés est devenu illisible.


In these two works, Ciel Grommen explores issues of cohabitation, in particular the demilitarized zone separating the two Koreas. The South Korean government hopes to turn it into a transnational peace park, while North Korea sees the project as exploiting the countries’ painful division. The documents cut up by Grommen to create these works have become illegible in the process.

Audio français :

English audio (original):



Louise
Hastings (1995)

Louise Hastings

© Louise Hastings

Illustratrice, Louise Hastings s’empare du dessin pour explorer avec humour les limites du réel. Dans son ouvrage Toujours plus d’orteils, elle imagine comment les données peuvent conduire à modifier notre corps, notre environnement et nos relations. Les mutations génétiques sont ici le prétexte d’une exploration graphique, conçue comme une suite de haïkus, où la poésie et la peur s’associent pour évoquer le monde à venir.


Illustrator Louise Hastings’ drawings take us on a humorous exploration of where reality ends and imagination begins. In Toujours plus d’orteils, Hastings imagines how data might lead us to modify our bodies, our environment and our relationships. Genetic mutations become the pretext for an illustrated journey in the form of a series of haikus, in which poetry and fear combine to evoke the world of the future.

Audio français (originale) :

English audio:



Hemmi Hugo (1989)

Hugo Hemmi

© Hugo HemmiAudio français (originale) :

Le travail artistique d’Hugo Hemmi est influencé par son parcours personnel, où les aspects sociaux et artistiques sont souvent intimement liés. Hugo a commencé à s’impliquer dans le travail social alors qu’il étudiait à la Haute Ecole de Travail Social de Genève. Il a ensuite continué son parcours avec un master en arts visuels à la Haute Ecole d’Art et de Design de Genève (HEAD), car il est convaincu que l’art peut être vecteur de transformation sociale.
Il s’intéresse personnellement à l’art relationnel comme moyen artistique d’engagement social. Il a été artiste en résidence à la Castlefield Gallery de Manchester (GB) en partenariat avec le canton de Genève et au BAR Project en partenariat avec la Fondation Antoni Tapies à Barcelone.
Plus récemment, il a également effectué une résidence artistique à Vernier, en Suisse, dans le quartier populaire des « Libellules », largement peuplé de migrants.


Hugo Hemmi’s artistic work is influenced by his own personal journey, where the social and artistic fields are often intimately linked. Hugo started getting involved in social work while studying at the Haute Ecole de Travail Social de Genève. After his graduation, he chose to pursue a master’s degree in Visual Art at the Geneva School of Art and Design (HEAD) because he strongly believes in art as a vector of social transformation.

His personal interest focuses on relational art as an artistic medium for social engagement. He was the artist-in-residence at the Castlefield Gallery in Manchester (UK) in partnership with the state of Geneva and at the BAR Project in partnership with Antoni Tapies Foundation in Barcelona.

More recently, he has also been artist-in-residence in the city of Vernier, Switzerland. The center was located in a working-class district, largely populated by migrants, named  “Les Libellules”.

Audio français (originale) :

English audio:



Henri
Marbacher (1993)

© Henri Marbacher

Dans son court-métrage, Henri Marbacher donne voix à un ami, Agìr, un jeune homme de 19 ans. Ce dernier raconte son parcours de migration entre la Syrie et la Suisse. Cette expérience, partagée par de nombreux migrant·e·s, est toujours très personnelle. A tel point que le récit du trajet n’est jamais définitif. Henri Marbacher remarque qu’il se reconstruit au gré des souvenirs, qui se diluent, et de la personne qui les écoute.


This short film by Henri Marbacher features his friend Agìr, a 19-year-old migrant from Syria who describes the journey that brought him to Switzerland. The migrant experience is always deeply personal, to the point that each narrative remains ever-shifting. According to Marbacher, such stories are constructed from memories – which eventually fade – and are influenced by the listener.

Audio français (originale) :

Audio anglais:



Irene Muñoz
Martin (1991)

Photo ©HEAD Baptiste Coulon

Dans cet essai cinématographique, Irene Muñoz Martin interroge la capacité qu’a l’histoire de l’art d’être un véhicule d’idéologie. En réunissant des événements éloignés dans le temps et dans l’espace, la cinéaste propose une lecture fascinante des notions de copie et d’original et fait interagir l’Histoire officielle et le passé avec la représentation ambiguë et plurielle des luttes politiques du présent.


In this video essay, Irene Muñoz Martin examines how art history can be used as a vehicle for ideology. By drawing parallels between geographically and temporally distinct events, she offers a fascinating interpretation of what is considered original and what derivative, revealing how official ‘history’ and past events interact with the ambiguous and multifaceted representation of political struggles today.

Audio français (originale) :

English audio:



Sayaka
Mizuno (1991)

© Sayaka Mizuno

Issue d’une collaboration avec le journal Le Temps, cette trilogie de courts-métrages montre de manière sobre et intime le travail de la sœur de l’artiste, médecin aux Hôpitaux universitaires de Genève, durant la première vague de l’épidémie de coronavirus. Y est abordée la vie quotidienne au travail, en parallèle des relations avec la famille, originaire du Japon.


This trilogy of short films was created in partnership with Le Temps and provides an understated and intimate glimpse into the work of the artist’s sister, a doctor at Geneva University Hospitals (HUG), during the first wave of the Covid-19 pandemic. The artist explores Aki’s day-to-day life at work, as well as her relationship with her family, originally from Japan.

Audio français (originale) :

English audio:



Claudia
Ndebele (1989)

Photo © Dorentina Emini

Née en Suisse, Claudia Ndebele ne s’est jamais rendue dans son pays d’origine, la République démocratique du Congo. Pourtant, les cultures suisse et congolaise façonnent son identité. Elle cherche à mieux la comprendre à travers son travail photographique. Elle y mêle ses propres albums de famille à ceux d’autres jeunes Congolais·e·s qui partagent le même défi : conjuguer deux cultures si différentes.


Claudia Ndebele was born in Switzerland and has never been to the land of her ancestors, the Democratic Republic of the Congo. She is nonetheless defined by a mixture of Swiss and Congolese culture. Her photographic work is part of her quest to understand her identity – she blends images from her own family photo albums with those of other young Congolese facing the same dilemma: how to reconcile two very different cultures.

Audio français (originale) :

English audio:



Sophie
Perrier (1984-2017)

© Sophie Perrier

Titulaire d’un master en études européennes, Sophie Perrier se redirige vers des études de cinéma en 2012.
Ce sont ses souvenirs d’enfance, lorsqu’elle accompagnait son père dans ses visites caritatives auprès des démuni·e·s, qui l’inspirent pour son court-métrage.
Que signifie donner ? Et que signifie recevoir ? En évitant absolument tout manichéisme, le film souligne l’ambiguïté des rapports humains.


After earning a Master’s degree in European studies, Sophie Perrier began studying filmmaking in 2012.
This short film was inspired by her childhood memories of accompanying her father on charity visits to people in need.
What does it mean to give? And what does it imply to receive? The film avoids moralizing and instead highlights the ambiguity inherent in all human interaction.

Audio français (originale) :

English audio:



Marta
Revuelta (1980)

Marta Revuelta

Photographie © Sandra Pointet

Est-il possible de prédire la dangerosité d’un individu à partir de son visage ? Dans son installation performative, Marta Revuelta s’interroge sur les possibles dérives du profilage facial. Lorsqu’il est activé, le dispositif décide, en analysant vos traits, de votre aptitude ou non à manipuler une arme. Quelle confiance placez-vous dans les algorithmes qui façonnent déjà notre quotidien ?


Is it possible to predict whether an individual is dangerous based on his or her face? In this performance installation, Marta Revuelta explores how facial profiling might be taken too far. Once activated, a device decides – based on an analysis of your face – how good you are at handling a weapon. How much trust do you place in the algorithms that are already shaping our daily lives?

Audio français (originale) :

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Laure
Rogemond (1990)

© Laure Rogemond

Le travail de Laure Rogemond traite de la migration à Genève. Durant un atelier de trois mois au Centre de la Roseraie, elle a offert l’opportunité à des migrant·e·s installé·e·s ici de se raconter et d’exprimer leur vécu par un travail éditorial créatif. Elles·ils ont pu retracer de façon très picturale le chemin parcouru entre leur pays d’origine et la Suisse. Ce travail permet de porter le regard au-delà de la simple donnée de « migrant·e ».


Laure Rogemond’s work explores the migrant experience in Geneva. Over the course of a three-month workshop in the Centre de la Roseraie, migrants were given the opportunity to tell their stories through a creative bookmaking project in which they used images to depict the path that brought them from their home countries to Switzerland. The project invites us to look beyond the reductive label of ‘migrant’.

Audio français (originale) :

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Thomas
Omondi

© Thomas Omondi

Thomas Omondi Obiero est un artiste kenyan qui s’intéresse à la dynamique des relations dans la société. Il possède une vaste expérience de la communication interculturelle dans le développement, axée sur la condition humaine. Partant du constat qu’aucune discipline du savoir n’exerce une influence et un pouvoir aussi important que la médecine sur tous les aspects de la vie humaine (physiologiques, politiques, économiques, socioculturels, géographiques et générationnels), Thomas Omondi explore actuellement la narration orale ainsi que la mise en place d’un espace d’écoute et d’un format de médiation immersif qui cherche à exposer les hiérarchies coloniales construites des relations de pouvoir dans la connaissance et la pratique de la médecine et des thérapies.


Thomas Omondi Obiero is a Kenyan artistic researcher interested in dynamics of relations in
society. He has an extensive background in cross cultural communication for development
focusing on the human condition. Departing from a fact that no single knowledge discipline
commands influence and power over all aspects of human life (physiological, political,
economic, sociocultural, geographical and generational) as much as the discipline of
medicine, Thomas Omondi is currently exploring live oral narration as also a formulation of
a listening space and an immersive mediation format that seeks to diffuse constructed
colonial hierarchies of power relations in the knowledge and practice of medicine and
therapies.

Audio français :

English audio (original):



Dorian
Sari (1989)

Dorian Sari

© Dorian Sari

Artiste cosmopolite né en Turquie, Dorian Sari traite par le biais de la vidéo et de la sculpture des rapports de domination et de violence. A travers de brefs récits filmés ou des objets faisant toujours référence à une émotion vécue, il montre le corps mis à l’épreuve. Activiste, observateur des mouvements sociaux, il fait du langage de l’art le moyen de rendre compte des questions de discrimination.


Dorian Sari, a well-travelled, Turkish-born artist, examines issues of domination and violence using video and sculpture. His short films and sculptures always reference human emotions and depict bodies put to the test. As an activist and observer of social movements, Sari uses the language of art to highlight questions of discrimination

 

Audio français :

English audio (original):



Fatou
Sené (1993)

© Fatou Sené

Fatou Séne porte son attention sur les enfants des rues et le désengagement des parents dans leur éducation. Ses photographies en couleur relatent le quotidien de ces jeunes, confronté∙e∙s aux dangers de la ville, à la pollution ou encore à l’injonction de devoir travailler. Le∙la spectateur∙trice ressent un malaise face à cette jeunesse sans protection noyée dans les faubourgs de Dakar.


Fatou Séne’s work takes as its subject street children and their parents’ disregard for their education. Sène’s colour photographs depict the daily lives of these young people in the face of urban violence, pollution and the necessity to find work. These vulnerable children, lost in the outskirts of Dakar, present viewers with a discomforting experience.

Audio français :

Audio anglais (originale) :



Yu Jie
Summer (1986)

Yu Jie Summer

© Yu Jie Summer

Après les Beaux-Arts de Tianjin (Chine), Yu Jie étudie la photographie à Vevey puis les Arts visuels à la HEAD – Genève.
Son travail aborde la question de l’identité, notamment des groupes marginalisés par la société.
La série Mes Voisins met en scène sur leur lieu de vie des personnes issues de milieux populaires et invite le·la spectateur·trice à s’interroger sur le regard qu’elle·il leur porte.


Yu Jie received a fine arts degree in Tianjin, China, then went on to study photography in Vevey and visual arts at the Geneva School of Art and Design (HEAD. Her work explores questions of identity, particularly among marginalized groups. The Mes Voisins series depicts the daily lives of working-class people and invites us to re-examine how we perceive them.

Audio français :

English audio:



Anne-Soorya Takoordyal (1991)

© Anne-Soorya Takoordyal

L’éducation sexuelle parle rarement des douleurs qui touchent la vulve, le clitoris ou le vagin. Par conséquent, elles sont souvent niées, voire taboues, et les femmes sont peu informées. En créant son application The Pussy Talk, Anne-Soorya Takoordyal cherche à combler ce manque en permettant aux femmes de comprendre et de s’approprier leurs douleurs et leur corps.


Sexual education classes rarely mention pain that can be experienced in the vulva, clitoris and vagina. Such pain is therefore often ignored, or becomes taboo, among women lacking information. Anne-Soorya Takoordyal created the application The Pussy Talk in an attempt to address that problem by providing women with a means of understanding and taking ownership of their pain and their bodies.

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Maëva Weissen
(1994)

© Maëva Weissen

Maëva Weissen s’interroge sur le métissage que produit l’éducation des enfants né·e·s de cultures différentes, dans les quartiers populaires, et qu’elle appelle la « troisième culture ». A travers l’upcycling, elle redonne vie à des maillots de football récupérés. Elle utilise le tissage, le patchwork, le tuftage et la peinture à la main et aborde ainsi la place de la femme dans des milieux très masculinisés.


Maëva Weissen’s work explores the cultural hybridization produced when children born into different cultures attend school together in working-class neighbourhoods, creating what she calls a “third culture”. Weissen applies upcycling techniques to used football jerseys that she weaves and quilts together, forms into tufts and hand paints. The choice of material also evokes the place of women in highly masculine spaces.

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Relations presse |
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frederic.vormus@cmatrix.ch

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Tel. +41 76 388 72 92
audrey.rufenacht@cmatrix.ch

Les œuvres

© Zoé Aubry – Estelle Veneut – Badr Smati, 2020
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© Tristan Bartolini L’inclusif-ve, 2020 – L’inclusif-ve, 2020
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© Eric Mélo Bouessa – Scènes de vie, 2017-2020
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© Dany Champion, Karen Pisoni, Marion Vergne – CarEvents
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© Valentin Dubois – TOC, TOC, Territoire Occupé Convenablement, 2017
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© Dubuis Alicia Primipare.info, 2020 – Primipare.info, 2020
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© Etter Caroline – C.O.R, 2017
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© YaceBanKs – «Jigéen Jàmbaar» Femmes combattantes, 2016-2019
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© Sarah Fauriel – Différences invisibles, 2018
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©Louise Hastings – Toujours plus d’orteils, 2019
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© Henri Marbacher – Tente 113, Idomèni, 2019
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© Irene Martin – No Nos Representan, 2019
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© Mizuno Sayaka – Dans les yeux d’Aki, ma sœur médecin, 2020
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© Claudia Ndebele – Biso, bana ya poto, Nous les enfants congolais d’Europe, 2017
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© Sophie Perrier – Le Don, 2015
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© Laure Rogemond Laure – Je vais essayer, c’est la vie, 2016
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© Thomas Omondi
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© Sari Dorian – Towards the border, Commemoration to the fools, 2019
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© Fatou Sené Le désengagement des parents, 2016 – Le désengagement des parents, 2016
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© Yu Summer – Mes Voisins, 2013
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© Anne-Soorya Takoordyal – The Pussy Talk, 2018
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© Weissen Maeva – 1213 Onex or The Manifest of a Third Culture, 2019
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© Rokhaya Balde – A la recherche d’Aline, 2020
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© Currat Christelle Transport maritime : la mer invisible, 2018 – Transport maritime : la mer invisible, 2018
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© Marta Revuelta – AI Facial Profiling, Levels of Paranoïa, 2018. Photographie © HEAD – Genève, Baptiste Coulon
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© Iris Gigon – Rhea, Cycle Tracker, 2019. Photographie ©Johann Sauty
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© Ciel Grommen – Baekdudaegan, map for a Korean peace park, 2014
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Affiches concerné.e.s - concerned – © MICR
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